Análisis intertextual de la obra "Cuatro cuartetos para un fin de semana", de Gao Xingjian. (Bitácora_MDE # 008)

Hemos de retomar el hilo, al menos poco a poco, de las bitácoras de la Maestría en Dirección de Escena. Hasta ahora se han cursado cuatro materias, las cuales constituyen el recorrido total del primer semestre de la Maestría. Las materias: Enfoques de la puesta en escena, Análisis de texto, Dirección de actores y Dirección escénica I. Hasta ahora ha quedado el registro del trabajo en la materia de Enfoques, el cual consistió en un par de trabajos sobre el director polaco Tadeusz Kantor y otro sobre el origen y evolución del Foro a la italiana. El otro trabajo presentado fue el análisis narratológico de la obra Cuatro cuartetos para un fin de semana, de Gao Xingjian. Dicho análisis se presentó en dos partes: Parte I y Parte II.

La presente publicación correspondería a la última parte del trabajo de análisis sobre la obra de Gao Xingjian, que indaga sobre todo en el fenómeno interpretativo con miras al establecimiento de un posible concepto de puesta en escena, es decir la idea, conceptos y referentes rectores para todos los miembros del equipo creativo de una puesta en escena. Para comprender las interpretaciones que ofrece el director en este apartado es aconsejable revisar las dos partes del análisis narratológico para tener el marco objetivo de la pieza que sirve de estructura a esta última sección en nuestro trabajo de la materia Análisis de texto. Se han traído algunos segmentos del análisis anterior por corresponder de manera más clara al campo interpretativo que ahora nos convoca, según indicaciones también del responsable de la materia el Dr. Mario Cantú Toscano. Esperando que sea disfrutable la lectura, dejo un saludo y estoy abierto a cualquier sugerencia y comentario sobre este trabajo. Lo Mejor.

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(Fuente)

Primera intuición

En la lectura de la obra de Gao Xingjian se dejan mirar los torpes e inútiles esfuerzos de un hombre por seguir sintiéndose vivo a pesar de que se enfrenta a la vejez con todos sus estragos; en medio de la continua desilusión producida por la dinámica deteriorada de una sociedad que cultiva el egoísmo y a la que él mismo ha terminado por acostumbrarse. El intento por conquistar la juventud que se ha perdido resulta en el doloroso reconocimiento de la nueva realidad a la que están sometidos tanto el cuerpo como el espíritu en su cercanía con la muerte.

La obra deja la impresión de un cierto vacío en el que el ser humano y en general el mundo han caído tras perseguir valores individualistas y haber perdido la fe en cualquier posible ideología, incluyendo al mundo cultural y del arte al que pertenecen los personajes y que ha dejado de ser vital y revolucionario. Al perder sentido los antiguos ideales a lo único que parecen poder aferrarse estos personajes, independientemente de su nivel cultural y económico, es a sus instintos, deseos y miedos más básicos.

Perspectiva de la trama

Vemos la obra desde una perspectiva crítica de la posmodernidad. Vemos a cuatro representantes de una sociedad estancada en el aburrimiento de sus propios logros y en el conformismo de sus fracasos, sin mayores perspectivas y desconfiada de cualquier ideología anterior, los impulsos básicos e instintivos prevalecen como único aliento y confirmación de la vida en medio de la abrumadora intelectualización e individualismo (falta de empatía evidente en todos los personajes) que han producido el vacío y falta de dirección.

Las relaciones personales como el amor, la unión, el deseo e incluso la amistad se ven corrompidas en una sociedad en apariencia progresiva y tolerante pero en la que en esencia operan aún marcadas diferencias de clases sociales. Bernard se enfrenta a su vejez y la cercanía de la muerte tratando torpemente de seducir a la joven Cécile, “ganándosela a su amigo”; en el intento infructuoso por conseguirlo descubre que sólo le queda esperar a la muerte sin poder eludir la sensación de vacío y perdida de sentido con respecto a todo lo que logró en el trascurso de su vida.

Intertextualidad

Contexto de producción

Fue hace más o menos unos doce años que tuve contacto con la obra del novelista, dramaturgo, poeta, crítico literario y artista plástico Gao Xingjian (Premio Nobel de Literatura en 2000), a través de las traducciones del francés que la editorial El Milagro, (Méx) hiciera de cuatro de sus obras en el volumen La Huida, de las que Boris Schöeman realizara también una serie de lecturas dramatizadas. El lenguaje empleado por el autor de origen chino y radicado en Francia desde entonces se manifestó innovador y bastante atractivo en cuanto a su forma particular de establecer la escena y el retrato que hace del interior humano. Según explica Sergio Pitol en la introducción a las obras de Gao Xingjian, desde la propia perspectiva del autor, la Ópera de Pekín, el teatro de Bertolt Brecht y el Teatro del Absurdo (de los cuales pensaba que compartían las estructuras narrativas de la Ópera y sus mecanismos actorales) serían sus principales influencias en la escritura teatral. La influencia brechtiana y su propio desarrollo de la literatura narrativa, le llevan a indagar en distintos efectos de distanciamiento desde el lenguaje de los personajes, empleando las diferentes personas gramaticales desde las que hablan o narran sus acciones y pensamientos.

Sergio Pitol refiere también que nuestro autor concluyó sus estudios universitarios en lengua y literatura francesa en Pekín; trabajó como traductor en la revista China reconstruye, en la que colaboraba con un traductor de origen francés que clandestinamente le dejaba para leer libros prohibidos en la época, los cuales Gao Xingjian leía con fruición, entre ellos autores como Proust, Michaux, Artaud, Gide, Sartre, Camus, Beckett, Ionesco y Genet, su preferido según el propio Pitol.

A la postre estas influencias serían también la causa de la prohibición en su país natal de su obra en tiempos de fuertes restricciones ideológicas y sociales; censura, purgas y luchas por el poder conocidos como la “Revolución Cultural” de Mao Zedong; finalizando con su exilio en Francia a finales de los años ochenta. A la manera de Tadeusz Kantor, el también artísta plástico y director teatral se ha dedicado desde sus primeros trabajos en China al montaje de su propia obra, llegando a tener colaboraciones como director con importantes compañías como la Comédie-Française con cuyos actores dirigió precisamente la obra que nos convoca.

Tradición textual

Cuatro cuartetos para un fin de semana, bajo la traducción de Claudia Belair López y Laura López Morales, es considerada dentro de la producción teatral de este autor como una de las más “convencionales”, es decir, que está más cerca de una lógica causal de la acción y las situaciones (realismo), atendiendo a un particular sentido de verosimilitud y apartándose del marcado simbolismo del resto de su producción. Sin embargo sigue siendo rica en el juego de las voces gramaticales desde las que hablan sus personajes y prevalecen en los diálogos la mezcla entre lo poético y lo cotidiano; la convivencia del pasado, del presente y lo atemporal; combinando lo concreto, lo abstracto, hasta llegar a lo absurdo del lenguaje (última escena) en las relaciones humanas. Sin duda el Teatro del Siglo XX comenzó a indagar desde sus vanguardias en esa sociedad un tanto rota que se iba formando tras dos grandes Guerras Mundiales y el inicio de la Guerra Fría, Gao Xingjian sigue indagando en el desarrollo posterior a la caída de las ideologías sin duda conservando una visión descarnada de la condición humana de cara al Siglo XXI.

Cabe notar que es frecuente encontrar algunas sugerencias en los textos del autor para el montaje de sus obras que en el momento del análisis conviene tomar en cuenta, en el caso de Cuatro cuartetos para un fin de semana la “Advertencia” es la siguiente:

Abandonando la lógica de los sucesos y el orden temporal, la estructura de la obra se parece más bien a una composición musical. Así, la evolución de los sentimientos sobrepasa la intriga, y el tiempo de cada escena debe jugar un papel importante en la elección de opciones de puesta en escena.

En música, un cuarteto se refiere tanto a una agrupación de cuatro instrumentos o cuatro voces, como a la composición musical elaborada para dicha agrupación. La composición consta regularmente de cuatro movimientos: 1) Allegro, 2) Andante o Adagio, 3) Minueto o Scherzo y 4) Rondó. Cada uno de estos términos hace referencia al tempo (velocidad de la ejecución) de cada movimiento en la composición. Así los personajes serían los instrumentos o voces que ejecutan la composición musical que es la pieza, la cual está dividida en cuatro movimientos con un tempo (velocidad de los acontecimientos) preciso para cada uno de ellos.

Alusiones

En términos generales la obra narra el encuentro entre dos parejas, relacionados de varias maneras con el mundo artístico o creativo, en una casa de campo durante un fin de semana a principios de verano. La casa pertenece a una pareja de gente mayor (Bernard, un viejo pintor y Anne, cuarentona, según el dramatis personae establecido por el autor) que reciben a una joven pareja (Daniel, escritor en la plenitud de la edad y Cécile, joven y coqueta).

Esta situación conecta con por lo menos dos obras a las que parece hacerse alusión, una que pertenece directamente a la influencia del Teatro del Absurdo francés en nuestro autor, la otra presenta una relación casi directa en las características de los personajes, el sentido del desenlace y la intención de indagar en los aspectos de la psicología, aunque el autor es norteamericano también estuvo influenciado por el teatro de vanguardia europeo y sobre todo el del absurdo.

La primera es La cantante calva, de Eugene Ionesco cuya trama podría resumirse en la visita de una pareja de casados los Martin a otra pareja los Smith, en esta obra la incomunicación y los diálogos inconexos dan la sensación de una imposibilidad de certeza o concresión en las relaciones humanas. La cotidianidad y la repetición de patrones llevan a los personajes a la alienación de manera que es posible llegar a intercambiar sus papeles sin dejar de repetir el patrón. La última escena en Cuatro cuartetos para un fin de semana, hace una referencia clara al final de La cantante calva, cuando el lenguaje ha perdido completamente su estructura y sentido en las relaciones y la comunicación entre los personajes, llegando a comunicar palabras sueltas e incluso sonidos sinsentido.

La otra obra a la que parece hacer alusión, es ¿Quién le teme a Virginia Woolf?, de Edward Albee, llevada al cine por el director Mike Nichols en 1966, producción que contó en su reparto con Elizabeth Taylor y fue nominada a 16 premios Oscar. En ella vemos más o menos las mismas características de los personajes y la situación que en Cuatro cuertetos. La pareja de mayores está compuesta por Martha y George, ellos son profesores universitarios siendo ella una mujer dominante, hija del Rector, él es un poco menor que ella. Invitan a una última copa después de una fiesta a una pareja formada por un joven profesor y su esposa, Nick y Honey. Durante la reunión comienzan a dispararse ciertos comportamientos de agresividad, humillación y violencia psicológica entre la pareja de mayores que terminan arrastrando también a la pareja joven. Después del caos de emociones la pareja joven se marcha casi al amanecer dejando a los mayores en el regreso a su misma condición, aunque después de haberse mostrado a sí mismos tal cual son.

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La cantante calva, con la compañía española Todos al Teatro
(Fuente)

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Onomástica

El hecho de que los personajes cuenten con un nombre se vuelve también un hecho particular en la producción teatral de este autor, ya que atendiendo al menos a las cuatro obras presentadas por la editorial El Milagro, los personajes son nombrados por lo regular de manera genérica: “Él”, “Ella”, “El joven”, “La joven”, “El sonámbulo”, “El indigente”, “El tipo”, etc.

Haciendo una indagación simple en el contexto de los nombres del santoral cristiano, el cual implicaba el nuevo mundo cultural al que Gao Xingjian estaba arribando en su exilio a un París poblado de Iglesias y Catedrales de entre las más famosas de la Historia de la humanidad. En cada personaje podría haber un componente de referencia a su Santo Patrono:

San Bernardo: Santo francés del Siglo XI, considerado uno de los padres de la rigurosa congregación monacal conocida como los cistercienses, caracterizada por lo estricto de su vida ascética. Impulsó las cruzadas, guerras religiosas y de conquista que transformaron Europa. Bernard se ha retirado de la vida ciudad a un encierro casi monacal en su casa de campo, participó activamente en movimientos transformadores, se caracteriza por sus puntos de vista y actitudes radicales.

Santa Cecilia: Santa y mártir de origen romano, pagana convertida al cristianismo, de aproximadamente el Siglo II d.C. Se le considera patrona de los músicos y de la música en general. Cécile aparte de tener algunas habilidades, encuentra en la música el campo de sus sueños e ilusiones.

Santa Ana: Madre de la virgen María, abuela de Cristo. Patrona de las mujeres trabajadoras. Ella y Joaquín ya son viejos y sin hijos por lo que Joaquín en un retiro de oración y ruegos obtiene la gracia de engendrar una hija con su esposa, ella será María la madre de Cristo. Anne es una figura de mujer madura, sabia y protectora, aunque también como Santa Ana pasa por la condición de esterilidad.

Daniel (Profeta): Joven de Jerusalén capturado por el Rey Nabucodonozor, famoso por su defensa de la joven Susana, calumniada por unos ancianos que la acosaban; así como por su capacidad interpretativa de los sueños del Rey. Sobrevive indemne a una jaula de leones dispuestos para devorarlo. Daniel se dedica durante el fin de semana a interpretar los sueños de Anne y a desvelar los suyos propios. Al final tal vez es el único que continuará tranquilo con su vida.

Interpretación

Discurso

La muerte se vuelve la única verdad consistente en un mundo que carece de dirección y sentido.

Relación personal con el discurso de la obra

La primera impresión con el discurso de esta pieza fue la temática de la vejez y las sensaciones y miedos producidos por la cercanía con la muerte. Llega como un eco la voz que dice “Polvo eres…”, así el primer impacto fue mirar la lucha de un hombre por evitar lo que no tiene remedio. Esforzarse en demostrar una fuerza y dominación que ya no posee pero en los que necesita creer para sentirse vivo. Fija su mirada en la juventud de una mujer para emprender una empresa de conquista pero su pulsión vital se encuentra atrapada en un cuerpo ya deteriorado que durante su acción va reconociendo como inútil e incluso repulsivo. Sus glorias pasadas y su prestigio artístico no tienen ningún significado para una chica que pertenece a una manera más inmediata y pragmática de sobrellevar la vida.

El mundo de la creación y la personalidad artísticas, el concepto mismo de arte, son hechos que también se discuten en la pieza y cuya supervivencia también se ve comprometida por la cercanía de la muerte. El éxito en ventas, la ocurrencia y el capricho parecen ser los criterios principales por los que se maneja el ámbito del arte y la cultura a los que Bernard y Daniel se han adecuado. Anne y Cécile con sus expresiones creativas más personales de naturaleza casi íntima parecen ser lo que daría un poco de luz a este mundo de la sensibilidad y la capacidad poética.

El cuerpo como objeto y sobre todo con diversos grados de deterioro físico o moral sería una idea que se contrapondría a la pureza de las pulsiones vitales de los personajes; el deseo sexual, la dominación, la territorialidad, la protección, la agresión, la competencia, las defensas, las máscaras, la represión y el miedo permanecen a su máxima intensidad manteniendo a los personajes en una alerta constante entre unos y otros. Todas estas actitudes y reacciones se vuelven en contra de los propios personajes al no poder comprenderlas ni dimensionarlas en su justa medida, ya que los personajes pretenden actuar de acuerdo a normas de comportamiento pertenecientes a un refinamiento y civilización “exclusivos” de su tiempo, cuyas dinámicas en realidad los conducen por las vías del vacío y la incapacidad de relacionarse armónicamente consigo mismos. El cuerpo encasillado en ideologías que ya no ofrecen cohesión o coherencia a las relaciones humanas, entra en lucha con la vida que fluye constante por dentro.

La manera en que la pieza está escrita representa un reto a la imaginación y a la posible puesta en escena y creación de los personajes. En sí mismos son a la vez seres humanos y obras de arte que revelan los complicados mecanismos que los mueven internamente, son como cuadros pintados a través de diversas capas sobre-expuestas en las que se puede percibir al personaje desde su figura externa hasta la profundidad de su alma. Para esto es necesario conseguir un entendimiento y manejo preciso del lenguaje de los personajes y el plano desde el cual hacen sus enunciaciones. Crear la adecuada relación con la acción y con los personajes por parte del espectador, generando ese distanciamiento necesario para entender el mecanismo que permite conocer diversos niveles del comportamiento y pensamientos al tiempo que el personaje los descubre de sí mismo por procedimientos reflexivos o como un observador externo. La dinámica de movimiento relativa a los tempos musicales y a la coordinación de los instrumentos referentes al contexto musical relacionados a la acción es una materia de exploración que también me resulta atractiva como un reto valioso en el proceso de creación escénica.

Propuesta de montaje

La propuesta se fundamentará en la claridad actoral en el uso de las formas del discurso empleadas por el autor, de su uso del tiempo y del espacio, procurando hacer convivir armónicamente las presencias del actor como instrumento presente y del personaje como voz que realiza la acción dramática, explorando las posibilidades de este juego y los diferentes tipos de relación que pueden generarse con el público a partir de él. Una composición musical exclusiva para la representación se hace necesaria para acentuar el sentido, el tono, el tempo de la acción; la relación entre este lenguaje a través de la figura del músico y su relación con los actores podrá verse sumamente enriquecida desde el proceso de exploración, lo cual permitirá encontrar en gran medida esa estructura musical que ha sido sugerida por el autor. Se privilegiará también el trabajo de precisión en la construcción de las acciones y de creación de relaciones vivas y de contacto verdadero entre los personajes y entre estos y el espacio. El espacio escénico surgirá a partir de un proceso de necesidad, exploración y selección por parte de los actores, de objetos que sirvan para contar la historia, que puedan resignificarse para explotar su presencia escénica al máximo y reducir su cantidad al mínimo, a partir de este proceso se diseñará y construirá la escenografía definitiva en la que se desarrollará la acción. Como el montaje pretende acercarse a una estética que privilegie el trabajo del actor y su relación con el público, los elementos escenográficos deben ofrecer esa impresión del “espacio vacío” sin que su presencia deje de ser significativa, funcional y estética. La idea será sobre todo encontrar el diseño de mobiliarios modulares que cumplan la función adecuadamente. Se buscarán espacios teatrales de preferencia de pequeño formato. El lenguaje pictórico debe hacerse presente también a través de la expresión de la evolución, auge y declive creativo de Bernard como pintor. La escenografía podría concebirse a partir de la combinación de la pintura y sus marcos de presentación y la funcionalidad de los muebles de la casa. Las siguientes visualizaciones darían cuenta de esta idea escenográfica.

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Enlace a las bitácoras de la Maestría en Dirección de Escena: (MDE_001), (MDE_002), (MDE_003), (MDE_004), (MDE_005), (MDE_006), (MDE_007)

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@LeVeuf

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