TRICO: Antología dramática de Miguel Ángel Canto (2/3)

Enlace a la primera parte

Presentación:

Es difícil la tarea de hacer esta presentación de la obra del dramaturgo Miguel Ángel Canto, pues como bien pueden suponer, mi relación con él es bastante estrecha y antigua, puedo decir que fuimos inseparables desde la más tierna edad. Así, quisiera dejar en claro el esfuerzo por la objetividad a la hora de invitar al lector a acercarse a estas piezas. (...) Las obras han sido cargadas a internet en el portal archive.org, desde ahí los textos se pueden leer directamente o bien ser descargados en el formato pdf. (@leveuf)

En la entrega anterior de esta antología comentamos el origen del nombre “Trico” y aunque en aquella ocasión nuestro autor aún no tenía conocimiento del título me pareció el más adecuado; después de algunos jaloneos parece haberlo aceptado, incluso con cierto gusto pues le pareció después de darle algunas vueltas que bien podría ser el nombre de un nuevo estilo de dramaturgia, el tricotilómano o bien, el jalado de los pelos. Pero dejemos al autor y también estos devaneos y continuemos con nuestra presentación.

Miguel Ángel Canto en la puesta en escena "Asesinado por el cielo",
con poemas de Federico García Lorca
bajo la dirección de Francisco Marín.
Foto: Eduardo Medina.

Las siguientes dos obras, aunque no son continuas en cuanto a su cronología sí corresponden a un campo de experimentación dramática en el que el autor comenzaba a comprender ciertas técnicas y principios que en las obras de teatro ayudan a mantener, distribuir y hacer progresar tanto la atención como la comprensión del espectador en cuanto a la acción y discurso de la obra. El espacio de tiempo comprendido entre las dos da cuenta del transcurso de toda la formación que tuvo en la escuela y sus primeros pasos ya como una persona de teatro con un nivel que se comenzaba a vislumbrar como profesional, la primera de 1998 y la segunda de 2002.

Dentro del campo de exploración dramatúrgica comentado anteriormente cabría hacer un énfasis especial en la influencia recibida de las ideas del dramaturgo alemán Bertolt Brecht, quien con sus conceptos sobre el distanciamiento (Verfremdungseffekt) abría nuevas puertas a la imaginación pero sobre todo a la manera de concebir el teatro para proyectarlo a la sociedad. Brecht no creía, o más bien, no comulgaba con el mecanismo de identificación que se daba en el teatro aristotélico-realista que le tocó conocer, por virtud del cual el espectador, a entender de Brecht, se hipnotizaba y suspendía su juicio por efecto de la anécdota que lo lleva a visualizarse emotivamente como uno de los personajes. Para Brecht era necesario sacudir el espíritu crítico del espectador a través de efectos teatrales que le mantuvieran analizando las acciones y decisiones de los personajes a la vez que sin suspender los procesos de la ficción se mantuviera el juicio de la realidad durante la representación. Es decir, para este teórico era muy importante que el espectador nunca se olvidará que estaba viendo una función de teatro y que esta le exige una posición crítica ante lo que se está contemplando. Este nuevo tipo de espectador era el que Brecht consideraba como digno hijo de la era científica.

Los efectos de distanciamiento son variados, tienen que ver con todas las áreas de la puesta en escena, desde el texto que permite una presentación de la acción y trama bastante analítica, pasando por efectos escénicos (mecanismos teatrales a vistas, rompimiento de la ficción por parte de los actores, uso de pantallas y proyecciones, lectura de documentos, teatro musical, etc.), hasta el debate y la agitación política que propusiera el grupo teatral en cuestión.

Desde diversos ángulos, las obras que se presentarán a continuación exploran las ideas que el teatro brechtiano dejó como legado a la escena contemporánea, la primera explorando el mundo a la vez gris y mágico de la megalópolis que es la Ciudad de México y sus personajes pintorescos, la segunda, un breve monólogo, en el que busca indagar sobre este género de obras ideadas para ser realizadas por un solo actor, en este caso, el personaje es ese actor. Aunque las obras no han sido representadas, constituyen un pilar fundamental en lo que sería el desarrollo estilístico de nuestro autor, tal es la razón de encontrarse juntas en esta segunda entrega dedicada al laboratorio dramatúrgico de Miguel Ángel Canto.

OBRAS EXPERIMENTALES

(ENLACE)

Esta obra tiene como campo de juego la enorme ciudad de México y la vida en sus calles que con su variedad de habitantes la convierten en una jungla llena de todo tipo de emociones y experiencias, y decir que de todo tipo no es ninguna fórmula sin sustento. La mirada se centra en los habitantes más desprotegidos en la ciudad los niños de la calle, pequeños que han nacido y llevan su día a día, sus alegrías y pesares en medio de grandes ejes viales, parques, junto a los puestos de comida o debajo de los puentes, cualquier rincón del paisaje de asfalto es bueno para establecer el hogar. A manera de acción podemos observar cómo las decisiones y caminos que alguien puede tomar en medio de este remolino de carencias llevan a las personas no a ser mejores sino a buscar paso a paso la supervivencia, aún por encima de los demás.

La obra discurre sobre la sorprendente vida de un niño de la calle que termina como un prominente ministro de una religión transmitida por televisión que él mismo inventó. Entre drogas, extorciones, prostitución y corrupción oficial, El mono se abre paso entre las duras experiencias que lo llevan hasta el descubrimiento de verdades esenciales sobre la humanidad. Pero la historia es también la de Darío, aquí es donde comienza el distanciamiento, quien representa la figura arquetípica del sabio que se ha retirado de la vida mundana para vivir en la contemplación y el conocimiento, regresa al mundo de la ciudad para comparar todo lo que ha aprendido en sus libros con la realidad. El viaje de Darío junto con su fiel acompañante y consejero Sócrates nos recuerda la dupla mítica del caballero andante y desfacedor de entuertos que junto con su escudero se han representado en innumerables ocasiones, desde Don Quijote de la Mancha y Sancho Panza, pasando por Sherlock Holmes y su querido Watson hasta representaciones más actuales de la cultura pop como Batman y el joven maravilla, Robin. La estructura está construida a partir del viaje de Darío y Sócrates por la ciudad, durante el cual y con varios saltos temporales comprendemos la historia de el mono o bien, Helmoncke como se hace llamar al final.

Toda la acción se halla constantemente habitada por un tramoyista, esos técnicos teatrales que se encargan del movimiento de la escenografía, quien comenta, revuelve o a veces se queja de todo lo que le toca hacer en la representación. La lectura tal vez no sea sencilla pero una representación podría lograr los elementos necesarios para conseguir una comprensión amplia por parte del espectador de una obra multifacética y de tonos cambiantes.

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Esta pieza indaga sobre ciertos elementos autobiográficos del autor en torno a la idea del ciclo de la vida y la muerte, el inicio y el final. Las obsesiones sobre nuestras experiencias se convierten para el actor en la materialización de nuestra relación con el Tiempo, puesto en mayúsculas como representación de un tiempo que está estrechamente vinculado con cada uno de nosotros, el tiempo que ha de durar nuestra vida, el cual mientras vivimos es como una voz que a ratos nos habla con fuerza advirtiéndonos que esto va a tener un final. Diferentes sensaciones en cuanto a la experiencia de nuestro Tiempo se van dando cita mientras el actor pretende construir una máquina abstracta y definitiva que, aún en total experimentación, tal vez le permita vencer o si no comprender a su oponente.

La obra presenta también una clara tendencia a distanciar al espectador de toda identificación con el personaje y la acción, siendo recurrente la petición de llevar la atención a elementos que sólo puedan suceder en el aquí y ahora del espacio de representación, un contacto pleno y comunicativo con el espectador sería necesario en el abordaje escénico de esta obra que es sin duda una de las más íntimas de nuestro dramaturgo.

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Agradezco profundamente los comentarios de @caspell y @marpa en la primera parte de esta serie, creo que vale la pena compartirlos. Su interés alienta mucho el trabajo creativo.

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Aquí podrá encontrar usted un enlace a la Tercera parte de esta antología.

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