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Ahora que podría estar pensando: La música ha sido por siempre! ¿Qué queda para no saber sobre eso?

Y tendrías razón, la música es increíblemente vieja. Hemos estado estudiando el lado técnico de la música desde los albores de las matemáticas. Sabemos más sobre la física del sonido y cómo se divide en secuencias y escalas de las que podría resumir. Pero entender cómo funcionan las ondas de sonido está muy lejos de comprender lo que el cerebro humano experimenta durante el proceso de composición.

Escribir canciones es un enigma. Sabemos, o al menos asumimos, que es un proceso difícil y probablemente frustrante. Pero también podemos suponer que es un proceso creativo impulsado por la emoción, que en su mayoría no es técnico.

Y este es el lugar perfecto para comenzar.

En la parte de audio de este episodio, hablo con dos personas: Ahko, un músico nacido en Estados Unidos que actualmente trabaja en Japón como profesor, y Sarah Storm, un actor y coach de acento con una perspectiva única de la música. En estas entrevistas, aprenderá cómo cada uno de ellos trabaja con la música, sus puntos de vista sobre la composición de canciones como un proceso técnico y por qué explicar las composiciones es particularmente difícil.

Acomódate. Esto está a punto de ponerse raro.

En pocas palabras, el gran atractivo de la música es que hace que la gente sienta cosas. No es solo patrones de sonidos; la música tiene influencia sobre nosotros. Llega a un interruptor emocional que puede encender o acelerar diferentes reacciones en nuestros cerebros. Afecta nuestra regulación y reconocimiento emocional, nuestra memoria asociativa y recuerdo, y nuestra capacidad de reconocer patrones a través de vías que no son activadas por otras formas de arte.

Entonces, ¿qué es lo que realmente estamos escuchando?

La capacidad de mantener el ritmo se limita a las aves que pueden imitar el habla y un león marino llamado Ronan. Es una tarea neurológicamente compleja que requiere la sincronización entre las porciones del cerebro y el procesamiento del movimiento, así como un poco de impulso cognitivo, para poder trabajar, lo que posteriormente requiere un conjunto de funciones de apoyo del resto de el cerebro.

La música, por lo tanto, es un patrón específico que activa todas esas funciones, y lo hace de una manera que produce resultados predecibles y semirigibles. Así como sus funciones ejecutivas regulan la memoria y las emociones, sus "funciones de patrones" regulan cómo responde y procesa el sonido, entre otras cosas.

Para tener una idea de la escala de esta regulación impulsada por el sonido, echa un vistazo a la investigación de Valorie Salimpoor sobre la neurología de la escucha de la música. Es una lectura fascinante e incluye algunas muestras de música ilustrativas.

La experiencia eufórica y alteradora del estado de ánimo de Salimpoor mientras escuchaba la danza húngara de Brahms no. 5 es un gran ejemplo del poder de la música y cuán poderosa puede ser nuestra respuesta musical . Sus hallazgos arrojan luz sobre el papel del "centro de placer" del cerebro y la liberación química que se produce cuando alguien está disfrutando de una pieza de música, así como la importancia de la conectividad entre las regiones del cerebro, todo lo cual se presta para nuestra comprensión de el proceso de composición.

Verá, cuando un compositor escucha una canción, no solo oye secuencias de notas; escuchan los factores desencadenantes de todos estos tipos diferentes de actividad cerebral.

El lenguaje emotivo y creativo que los artistas utilizan para describir su música no es una pelusa subjetiva. Cuando un artista dice que una canción o una serie particular de notas se siente feliz o triste, o que tiene una determinada dirección o carácter, no lo está personificando. Están describiendo cómo sus cerebros sintetizan los patrones de la música. Las características de una nota que suena "brillante" o una melodía que suena "enérgica" son bastante contextuales, pero todavía están impulsadas por factores neurológicos que son replicables y predecibles.

De hecho, estos descriptores emotivos son lo suficientemente precisos como para poder clasificarlos como terminología técnica. Es una terminología altamente contextual, pero sigue siendo un sistema de lenguaje independiente de la teoría que cataloga lo que hace una canción y lo que un artista quiere que haga.

La teoría de la música es una extraña y vieja bestia. Básicamente, son los fundamentos de la música y los estudios de notación musical, métodos de composición, clave y compás de tiempo, ritmo, historial musical y más. Utiliza un lenguaje denso y es una habilidad que debe usar de manera consistente para construir y retenerla. Es muy fácil aprender los conceptos básicos y descuidar el resto si no estás interesado en escribir música particularmente compleja o sumergirte en la historia de la música.

Un sorprendente número de músicos llega incluso a celebrar que no estudian ni practican la teoría de la música, y algunos dicen que los músicos teóricos producen patrones complejos que pretenden ser música, en lugar de "música real". que aprovecha las emociones de las personas.

¿Estás sintiendo un patrón aquí?

Notas individuales, secuencias de notas, escalas, modos y claves: todas son matemáticamente cuantificables. Incluso hemos llegado al punto en que las redes neuronales, es decir, los sistemas informáticos diseñados con capacidades cerebrales, pueden producir música inofensiva. Todo eso para decir que la teoría musical está respaldada por alguna ciencia sólida. Pero hay una diferencia fundamental entre "resolver para la música" y escribir una canción que produce una fuerte respuesta emocional en una audiencia específica.

Esto tiene más sentido cuando consideras la composición de la música como una tarea que requiere inteligencia emocional, y la inteligencia emocional como algo más profundo que el simple lenguaje de los recursos humanos por no ser un gilipollas.

El sistema de reconocimiento de patrones que impulsa nuestra conexión con la música cierra la brecha entre la interpretación del sonido y la interpretación del movimiento al conectarlos a recuerdos y emociones, ¿no? Es como un sistema prelingual de reconocimiento emocional. Volvamos al artículo de Salimpoor por un momento. Ahora sabemos que el cerebro procesa música usando plantillas. También sabemos que utilizamos estas plantillas como accesos directos cognitivos, interpolando y extrapolando de ellas para anticipar patrones en la música que escuchamos. Es la forma en que terminamos "sincronizados" con canciones que no hemos escuchado antes.

Una consecuencia de este procesamiento basado en plantillas es que percibimos que la música desconocida es realmente genial o realmente desagradable en función de nuestro historial de escucha y cultura, que informan nuestros gustos a nivel neurológico. La música compleja que no se basa en patrones familiares (léase: música esotérica que depende en gran medida de la teoría en lugar de sentir) es inherentemente inaccesible para muchas personas. Nuestra capacidad para relacionarnos emocionalmente con la música nueva está limitada por lo que estamos familiarizados.

Otro factor a considerar son los componentes evolutivos de la música, como se discutió en el artículo de Virginia Hughes para National Geographic , específicamente cómo se relaciona con los procesos cerebrales y recuerda el movimiento. La pieza de Hughes cubre cómo conectamos consistentemente el movimiento y el sonido con la emoción y cómo eso podría afectar nuestra capacidad para escribir y tocar música.

Si la música está realmente conectada con nuestra inteligencia emocional prelingual y nuestra capacidad general de sintetizar impresiones emocionales de fuentes mixtas, entonces la relación amor / odio que muchos músicos parecen tener con la teoría musical tiene mucho sentido. Si la composición de canciones aprovecha, pero no necesariamente requiere, la inteligencia emocional y la capacidad de sintetizar la emoción del sonido, entonces una dicotomía "poderosa" frente a una "compleja" es un resultado natural.

Muy bien, entonces sabemos que la música hace cosas divertidas a nuestro cerebro y que las sensaciones producidas por la música que consideramos buenas no son solo un hormigueo arbitrario. Sabemos que, para un compositor experto, escuchar atentamente puede revelar mucho más que solo patrones de notas, y que hacer música "buena" es en gran medida un proceso de comprensión y traducción de patrones y sensaciones previamente exitosos en algo nuevo.

¿Pero cómo diablos escribes una canción?

Los componentes iniciales de una canción pueden inspirarse en cualquier cosa: una progresión de acordes puede extraerse de una memoria de la infancia; una melodía puede extraerse de una serie de fotografías familiares; Es probable que alguien haya perdido la sensación de haberse dado cuenta de que le dieron un boleto de estacionamiento. Los compositores luego construyen sobre estos stubs musicales jugando a través de sus permutaciones, buscando conexiones entre las diferentes partes.

Si bien el estado de ánimo y el tono de una canción pueden cambiar drásticamente a lo largo del proceso, la inspiración central generalmente permanece igual. La composición de canciones es iterativa, pero depende más de la interpretación iterativa que de las secuencias de notas iterativas. A menudo también es un proceso de traducción, ya que las piezas de una canción se intercambian entre personas que pueden interpretar mejor las emociones de la canción y quienes pueden expresar mejor esas emociones a través de la gramática musical.

Curiosamente, la persona que a menudo es la mejor traduciendo estas ideas durante la producción de una canción no siempre es el artista. Encontrará que muchos de los artistas entrevistados en el podcast de música de Hrishikesh Hirway, Song Exploder , "tienen un hombre" para la teoría de la música, un productor, un compañero miembro de la banda, o incluso solo un amigo, que traen en algún momento a ayuda con las partes realmente pegajosas.

Estos músicos con "mente técnica" ayudan al artista con la gramática y la estructura de la canción, pero no solo lo limpian: también ayudan al artista a poner ideas que dirigen las notas y acordes específicos en contextos más claros, dándoles un marco apoyarse en. Este tipo de ayuda puede entrar en juego sorprendentemente al principio del proceso de composición, y puede conducir a algunos cambios significativos.

El talento musical no es solo la capacidad de tocar un instrumento; es la capacidad de acceder a un modo neurológico específico lo suficientemente consistente como para hacer una carrera de eso. Es la capacidad estratégica de usar la teoría, la estructura, la inspiración y el apoyo de amigos y colaboradores para crear sensaciones a partir del sonido.

Y eso es lo que lo convierte en un proceso sorprendentemente torpe y técnico. Es un batiburrillo de reconocimiento de patrones cognitivamente exigente, experiencias emocionales poderosas y la increíble persistencia necesaria para tomar una pepita de inspiración y convertirla en algo que satisfaga todo lo anterior. Es un arte único que está plagado de tecnicismos explícitos , pero también uno que está definido por los tecnicismos implícitos de la neurología y la inteligencia emocional. Es claramente humano.

¿Y qué es más raro que eso?