El Teatro a la italiana (Bitácora_MDE # 005)

Hay cierta corriente entre los pensadores del Teatro que afirman que la producción escénica surge en relación directa con el tipo de espacios en que se lleva a cabo el hecho escénico. El diseño de los espacios teatrales ha impactado en el imaginario de dramaturgos y actores, quienes nutriéndose del suelo en el que realizan su oficio han sido el germen de las nuevas propuestas en cualquier época del teatro. A este respecto es de suma importancia el trabajo realizado por el teórico y escenógrafo argentino Gastón Breyer en su libro El ámbito escénico, en él describe además de una amplia historia de las formas, técnicas y posibilidades simbólicas del espacio escénico; la relación directa, casi mística, que éste proyecta en la creación y en la percepción participativa del espectador. Nos recuerda principalmente el poder que tiene este espacio de convertirse en un trozo de “realidad amplificada” en el que las interacciones y relaciones simbólicas y de significados comienzan desde que algo ahí aparece.

Uno de los espacios de mayor trascendencia histórica en las artes escénicas ha sido el que se ha dado en conocer como Teatro a la italiana. En su libro, Breyer nos describe junto con el proceso arquitectónico que produjo el tipo de edificio en sí, la descripción de sus componentes sociales, filosóficos y religiosos, pues recordemos que el origen del teatro está fuertemente enraizado en el rito. En el artículo Sobre la Tragedia Griega, en este mismo blog, podrá observarse el paso que se da en el teatro griego desde el ritual dionisíaco, pasando por el drama satírico, hasta llegar a la Tragedia y las implicaciones artísticas y cívico-religiosas en las que estaba envuelta la producción teatral. El camino que nos lleva hacia el Teatro a la italiana está atravesado, para Breyer, por los varios ejes que conforman lo humano conviviendo en sociedad.

La primera forma del teatro fue el círculo ritual, trazado por el sacerdote para encerrar un espacio separado del Mundo del cual él ocupará el centro, en la orilla, los participantes del rito. Una zona de ese círculo se abre al hacerse consientes y especializarse las funciones de quien ejecuta y quien observa, se dividen los espacios del actor-oficiante y el espectador; comienzan a aparecer los diferentes mitos y temas en esta nueva realidad acotada, el círculo abierto ofrece la entrada del mundo de lo real para ser integrado al campo de juego de lo ritual-teatral, la naturaleza enmarcaba y ofrecía su participación en la representación. El siguiente paso fue el surgimiento del teatro como una actividad autónoma al llegar la skene a complementar el espacio, esa pared que enfrentó a la imaginación del espectador con un mundo de posibilidades y sustituyó a la naturaleza por su representación. A este respecto comenta Breyer:

Del lado abierto del que llamamos tercer mundo, materializando de alguna manera el vector frontal, se levanta una entidad corpórea, arquitectónica. Con la expresa voluntad de negar el vacío del horizonte abierto, siempre inquietante para la mente griega, como una afirmación óntica se yergue un cerramiento material y opaco. Este obstáculo macizo se llamó skene (cabaña, tienda, casa, baldaquín, pabellón…, escena). Se supone que fue una modesta construcción, larga y estrecha, a dos aguas, para servir de barraca y vestuario de actores. Pg 31

Desarrollo del espacio escénico desde el círculo ritual hasta la aparición de la skene
Ilustración de Gastón Breyer en El ámbito escénico

La skene llegó hasta la naciente Roma en donde se integró desde los primeros tablados hasta llegar al edificio consagrado a la representación teatral conocido como anfiteatro, un tablado largo y un tanto más ancho para los actores y aquel círculo que fue ocupado por los sacerdotes y luego por los grandes coros conocido como orchestra se convirtió en un semicírculo, espacio intermedio entre el espectador y la acción. La skene se vio resaltada con la inclusión de tres puertas que conducían a los personajes desde y hacia los diversos espacios evocados. Una rica decoración escultórica relativa a signos religiosos y públicos fue llenando esa skene de los anfiteatros, haciendo referencia a los patrocinadores, gobernantes y deidades de la ciudad.

Hasta este punto la skene había sido una especie de plano que acotaba el ojo y la imaginación de manera absolutamente frontal. Fue después del largo período de la Edad Media que el edificio teatral volvió a presentar un nuevo desarrollo. Fue Sebastiano Serlio, quien durante el renacimiento, estudiando las proposiciones del romano Vitruvio, propuso la utilización del espacio posterior a la escena perforando en tres grandes espacios el plano de la skene, ampliando la perspectiva visual y las posibilidades de acción y de espacios de ficción en el escenario. La acción pasó gradualmente del frente de la skene a la parte posterior, en donde diversas maquinarias de telones, bastidores, poleas y tiros comenzaron a funcionar potenciando la imaginación de los espectadores con sus mágicas y alegóricas apariciones. El techo del teatro, cerrando toda la percepción al mundo planteado desde el espacio de representación terminaría de cerrar al Teatro y apartarlo del mundo exterior a él. El Teatro Olímpico de Vicenza en Italia, diseñado por Andrea Palladio, entre cuyos trabajos se encuentra la Iglesia de San Giorgio Maggiore en Venecia, se cuenta como el primer Teatro con ese formato de la historia moderna.

Durante el mismo renacimiento en la península italiana se dio el siguiente paso, natural para este momento, de eliminar toda la construcción fija adicional a la acción que ocupaba el escenario, así aquella pared sólida que inició acotando la visión, se convirtió en un arco llamado boca-escena, que simplemente enmarcaba todo lo que sucedía en el espacio posterior, proyectando el ojo del espectador hacia esa especie de cueva en la que cualquier cosa puede ocurrir gracias a los mecanismos teatrales y que en nuestros días se da en llamar escenario. El Teatro Farnesio de 1618, construido por Aleotti en Parma, sería el primer modelo del Teatro a la italiana del que se tiene registro, aunque es en algunos otros teatros de la época en donde se da la innovación definitiva de la platea, lugar en el que el espectador y sus asientos terminan por ocupar aquella reminiscencia del espacio sagrado que fue la orchestra y que aún conservaba el Farnesio.

Corte lateral del Teatro Farnesio en Parma, Italia
(Fuente)

Así se concluía el desarrollo de un esquema arquitectónico que cumpliría su función hasta nuestros días. En este recorrido habitan necesariamente las formas arquitectónicas temporales o efímeras que el teatro siempre encontró para adaptarse a cualquier espacio, particularmente a las calles y plazas. El Teatro a la italiana también ha desarrollado su escenotecnia desde entonces, pasando por las salas de gran lujo del XIX, hasta los espectáculos multi-media que albergan en nuestros tiempos, permitiéndonos como espectadores viajar a cualquier sitio al que la imaginación de los artistas nos invite. A través de las ilustraciones de Gastón Breyer podemos darnos una idea del proceso evolutivo de este espacio desde los griegos hasta el día de hoy.

Ilustraciones de Breyer en El ámbito escénico

Algunas posibilidades del escenario

En esta ocasión será el buen amigo Pepe el que nos muestre algunos términos y posiblidades que posee el escenario a la italiana. Primero revisaremos las áreas que tiene el escenario, pues en ellas las cosas adquieren diversos resaltes y significados espaciales según se encuentren más cerca o más lejos del espectador. El término “Arriba” corresponde al fondo del escenario, “Abajo” a la parte delantera del escenario el nivel de la boca-escena, los términos “izquierda” y “derecha” serán en relación con los actores, “centro” será tanto en relación con las dimensiones de fondo y largo del frente del piso del escenario. Algunos teatros a la italiana presentan una pequeña prominencia semicircular que sobresale de la boca-escena, este espacio se llama proscenio y proyecta la presencia del actor casi en relación directa con el público. Hacia los costados del escenario, por donde entran y salen los actores se les llama desahogos, en ellos se da el tránsito de actores y elementos escenográficos que entren o salgan del escenario, ahí también se encuentran los controles de los mecanismos de varas del teatro.

En las siguientes imágenes podremos ver el esquema de las zonas del escenario además de una visualización donde se muestra un teatro, tal como lo conoceríamos ahora, en el que se señalan los espacios y algunas piezas de la telonería que lo compone.

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Veamos a Pepe mostrándonos los efectos de ocupar las diversas zonas del escenario:

-	Derecha	Centro	Izquierda
Arriba
Centro
Abajo

Otras posibilidades en el escenario estarán dadas por el uso de distintos tipos de objetos y mobiliarios para la escena como por ejemplo bastidores, tarimas, telones pintados, objetos colgantes, escaleras, muebles, etc.

Para cerrar este artículo algunos objetos mostrados por el buen Pepe para ofrecer una muy pequeña probada de lo que se podría ver en un Teatro a la italiana.

Niveles en el escenario

Escenografía

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Imágenes de Pepe, por Miguel Ángel Canto

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Enlace a las bitácoras anteriores: (MDE_001), (MDE_002), (MDE_003), (MDE_004)

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